martes, 21 de abril de 2015

Rembrandt van Rijn
1.      Análisis bibliográfico.
       Rembrandt Harmenszoon van Rijn, nació en 1606 en Leiden-Holanda. Inicia sus estudios en la Escuela Latina y a los 14 años fue admitido en la universidad de Leiden, aunque la abandonó para estudiar pintura en el taller de un maestro local, Jacob van Swanenburch, continua  sus estudios junto a Pieter Lastman, con quien permaneció seis meses. Posteriormente volverá a Leiden donde abrirá su propio taller y recibirá a sus primero aprendices.
       En 1631 se trasladó de nuevo a Ámsterdam conocer a su esposa, Saskia van Uylenburch, con quien se casara en 1634, el matrimonio le ayudó a impulsar su carrera. Su vida familiar entro en decadencia cuando tres de sus cuatro hijos murieron al poco de nacer y en 1642, también    muere su esposa a causa de tuberculosis.
        Luego de ello iniciara una relación con su ama de llaves quien posará en muchos de sus trabajos, con quien tendrá una hija.
       En conclusión se podría decir que su vida estuvo llena de desgracias, pero esto no afecto en la calidad de sus pinturas.
2.      Análisis formal.
      Las obras de Rembrandt al igual que la mayoría de las pinturas pertenecientes al barroco pierden las características de la pintura renacentista.
       En el barroco la pintura adquirirá una composición abierta, más conocida como horror vacuo. Otra de las características muy aplicadas por Rembrandt es el claro/oscuro que es la falta de claridad  o luz en las pinturas, en algunos casos esto hace que la pintura tomo una apariencia monocromática, también es conocido como tenebrismo.
       Es una representación pictórica, esto significa que la línea del dibujo no se nota, es decir no está delineado,  las figuras en las pinturas se distinguen gracias a su escala de colores.      


3.      Análisis simbólico de la obra.
       Las obras de Rembrandt fueron de varios tipos como: retrato, tanto colectivo como individual, la temática religiosa, el paisaje y también realizó grabados y dibujos.
      En sus pinturas se puede observar acabados más detallados, en los rostros y escenas se representan dramatismo. Gusto por la ampulosidad, este aspecto se puede admirar en varias de sus obras, no solo en las de Rembrandt, como ya se dijo el uso de claro oscuro es el más usado para poder obtener estos efectos.
      Sus pinturas refleja la influencia de su maestro, Pieter Lastman. Elige temas de gran dramatismo y sus composiciones presentan contrastes muy marcados de luces y sombras.
       En los retratos de se interesa por los rasgos de sus personajes, los detalles de la ropa y los muebles de la habitación, por lo que se lo considera de carácter teatral. Los retratos son una representación objetiva del retratado, ya que a través de ellos realizaba estudios de distintas emociones que después incorporaba en sus obras de temas bíblicos e históricos. Por esta razón, en muchos de sus cuadros podemos ver a miembros de su familia, que eran utilizados como modelos.
4.      Análisis crítico.
       La obra de Rembrandt son una de las más significativas obras del Barroco Holandes pues al observarlas podemos observar que encontramos varias características como son el claro oscuro, formas abiertas. En cuanto a la representación de paisajes, retratos y autorretrataros se nota claramente los detalles que aplica para poder captar y transmitir la intensidad del momento.
       Como ya se mencionó  el claro oscuro es un elemento fundamental en las pinturas de Rembrandt pues este le permite obtener un contraste y profundidad.   
5.      Fotos.
  
Betsabé en el baño.
El rapto de Europa
Lección de Anatomía del Dr. Nicolaes Tuip
Ronda de noche.
Sagrada familia con ángeles
Sansón y Dalila






Bibliografía:
·         Barroco en Europa. Obtenida de http://www.arteespana.com/rembrandtvanrijn.htm
·         Mejores obras de Rembrandt. Obtenida de http://www.rpp.com.pe/rembrandt-obras-foto_613530_3.html#foto
·         La técnica de pintura de Rembrandt. Obtenida de http://www.ehowenespanol.com/tecnica-pintura-rembrandt-manera_100471/


  

martes, 14 de abril de 2015


Representantes del Renacimiento
Arquitectura:
·         Brunelleschi Filippo:
1.      Análisis bibliográfico.
       Filippo di Ser Brunellesco Lapi,  fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano,  fue el arquitecto más importante del siglo XV en Italia, iniciador de la arquitectura renacentista, la cual se caracterizó por ser un momento de ruptura con respecto al estilo precedente: la Arquitectura gótica, buscando su inspiración en una interpretación del Arte clásico, que se consideraba el modelo más perfecto de las Bellas Artes.
       Fue un artista muy productivo que desarrolló su trabajo en Florencia, es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la Catedral de Florencia Il Duomo.
       En el ámbito de la arquitectura, Brunelleschi realizo investigaciones de los viejos edificios del clasicismo romano realizando levantamiento de planos, plantas y alzados, obsesionado por representar la arquitectura tridimensionalmente.  Sus conocimientos matemáticos y su entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de llevarle a la invención de la perspectiva cónica.   
2.      Análisis formal.
       La tendencia que Brunelleschi  siguió fue el renacimiento, este se puede definir como el fenómeno cultural, surgido en Italia en el siglo XV, el cual se enfoca en retomar los principios de la cultura de la antigüedad clásica, actualizándola a través del humanismo, y que no renuncia a la tradición cristiana, sustituirá la omnipresencia de lo religioso del mundo medieval por una afirmación de los valores del mundo terrenal y del hombre. Se basó en dos pilares fundamentales: el clasicismo y el humanismo.
Se centraba en la búsqueda del ideal clásico, esto hace referencia al mundo greco-romano como modelo para su sociedad, buscan aplicar en la realidad material lo que consideraban que pertenecía a un mundo más idílico que real, esto fue aplicada directamente a la Arquitectura intentando  concretar conceptos clásicos como la belleza y ordenación del movimiento. La visión profana sobre temas religiosos: superando  la censura por parte de la religión esto en la arquitectura se puede notar al momento de realizar edificios hechos a la medida del hombre. La Influencia de la naturaleza no solo como fuente de inspiración, también como producto de ella.
3.      Análisis simbólico de la obra.
        La Basílica de Santa María del Santo Spirito es una de las iglesias principales de Florencia, Italia. El interior de la construcción es uno de los mejores ejemplos de la Arquitectura del Renacimiento. Al igual que en otras de sus edificaciones se consigue un espacio más centralizado mediante la uso de una planta de cruz latina que tiene una cúpula en un pronunciado crucero, ofrece una sensación de unidad. En alzado se mantiene  la nave central más alta que las laterales y separada de éstas mediante un conjunto de arcos, cuyos arcos se corresponden con los vanos, utilizando los elementos de enlace, a modo de ábacos, entre capitel y arcos y el bicromatismo.
        El predominio de la horizontalidad, la claridad y limpieza de sus muros, otro elemento a destacar es la obtención de la armonía y el equilibrio visual a partir de un fundamento matemático. Brunelleschi dota de una misma medida de altura al pórtico de columnas y al segundo piso, creando así una estructura simétrica en proporciones denominada proporción dupla, que repetirá en el interior de sus basílicas. Hace uso de la perspectiva geométrica, ya que todas las líneas horizontales de la obra conducen hacia un punto de fuga situado en el altar.
4.      Análisis crítico.
          Esta edificación aunque no fue hecha en su totalidad por  Filippo Brunelleschi; ya que murió y sus seguidores tuvieron que continuarla, fue concluida concierto grado de fidelidad a diferencia de otras de otras edificaciones que no fueron concluidas de acuerdo a su diseño original, demuestra varios detalles que lo distingue como perteneciente al renacimiento. Pertenece a la primera parte del renacimiento conocida como Quattrocento. En esta edificación se nota elementos estructurales  propios de la  arquitectura renacentista como la planta de cruz latina, las naves, arcos, entre otros elementos. Otra de sus características es el manejo del espacio.
5.      Evidencia.



·         Rafael Alberti:
Leon Battista Alberti nace en Génova, Italia, el 18 de febrero de 1404 y muere en  Roma, el 25 de abril de 1472, fue un sacerdote, secretario personal  de tres Papas, humanista, arquitecto, tratadista, matemático y poeta italiano.  

Bibliografía:

martes, 7 de abril de 2015

Arte  gótico en los países bajos

       Las regiones que definimos como Países Bajos abarcan Bélgica y Holanda, así como lo que hoy constituyen las zonas más septentrionales de Francia. Durante el periodo histórico de la Edad Media todas estas zonas formaban una única unidad cultural a pesar de su diferencia idiomática y política.

       También es conocida como “Primitivos Flamencos”. Es también  una especie de transición entre la pintura gótica y la renacentista, se produjo en  el s. XV (época gótica,) pero presenta ya muchas de las características  que se desarrollarán durante el renacimiento Italiano.

       Los  pintores están apoyados por  Duques y los burgueses  particulares. Se organizan en talleres, donde encontramos Maestros y aprendices

Características:
- Los artistas que hoy en día conocemos como Primitivos flamencos desarrollarían un estilo pictórico propio. Captan la realidad con el uso de:
·         El detallismo: es una pintura para ser vista de cerca y el artista tiene interés por todo. Se recrea lo mismo en las personas que en las pequeñas cosas que llenan la vida cotidiana, objetos, mesas, telas, etc.
·         Estas últimas las reproducen minuciosamente, pero las dota de unos pliegues duros, metálicos.
·         El paisaje: crean amplios y luminosos paisajes, así como los primeros en representar interiores llenos de intimidad.
·         La creación de un espacio pictórico mediante la difusión de la luz sobre los objetos.
- Las pinturas se realizan al óleo sobre tabla y obtenidas mediante la minuciosa superposición de capas de color transparentes y luminosas, esta característica es una de las más importantes en este periodo.
- Sus obras representan escenas de la vida cotidiana en los temas religiosos, que son la mayoría, así como los promotores retratados junto a Cristo, la Virgen o santos.
- Gran detalle en cuanto a la representación de paisajes, que se aprecia en las luces del horizonte o en los brillos de las aguas.
-Interés por el  retrato fiel del personaje representado.

-Presencia del “donante”, a veces aparece en actitud de oración, pero con el mismo tamaño de la escena principal.

- Las obras presentan sentimiento dramático, movimiento y tensión.

 Ejemplos:
- Una primera generación de pintores, está compuesta por los hermanos Jan y Humberto Van Eyck, Roger Van Der Weyden, Robert Campin o Patinir.
- En una segunda generación de pintores flamencos, que se extiende hasta principios del siglo XVI, destacan pintores como Memling, Gerad David o El Bosco.
Hermanos Van Eyck
- Los hermanos Van Eyck, Hubert y Jan, iniciadores de la escuela flamenca, son conocidos en particular por el uso extenso que hacen del óleo.
- En la obra de Jan van Eyck, el más destacado de los dos hermanos, confluyen elementos de una tradición en muchos aspectos aún medieval junto a arriesgadas novedades formales e iconográficas de una sorprendente modernidad, que introduce paulatinamente en su obra.
·        Políptico de la Adoración del Cordero Místico: obra de Jan y Hubert Van Eyck, pintada como un cúmulo de mensajes, de alegorías y de recreaciones evangélicas; el políptico consta de 12 tablas en su posición abierta y ocho en el reverso.

      




·        La Virgen del Canciller Rollín: Jan van Eyck introduce una nueva iconografía, la Virgen en lugar de estar entronizada en el centro aparece en una posición lateral, compartiendo a partes iguales con el donante la totalidad del campo con positivo del cuadro.





 ·        El Matrimonio Arnolfini: obra maestra de Jan Van Eyck; Van Eyck retrata a un acomodado matrimonio burgués del Flandes de la época.



·        El Hombre del Turbante: se considera un autorretrato del artista, de impresionante verismo.



La maestría técnica de Van Eyck para modelar figuras y objetos con luz y color y su detallada representación de superficies y texturas resumen el estilo de un artista que tomaron como modelo numerosas generaciones de pintores.
Rogier Van der Weydem
       Dedica especial atención a los detalles, se presenta vivo colorido y el realismo de las figuras, pero a esto se debe añadir el dramatismo que caracteriza sus escenas, como elemento esencial de su pintura.
     
·        La Piedad o el Descendimiento: llama la atención el cuidadoso estudio de la composición de un numeroso grupo de figuras alojadas en un reducido y corto espacio; el conjunto parece cerrada por dos paréntesis, a la izquierda San Juan y a la derecha María Magdalena, sirviendo de eje la cruz y de centro de la composición las dos figuras paralelas, dispuestas en diagonal, de Cristo y María; el sentimiento de drama, y de contenida tristeza en el rostro de los personajes consagra a Weyden como uno de los pintores más trágicos de la escuela flamenca.


·         La Crucifixión: nota característica de su arte es el abandono del paisaje y del mundo concreto, pero después de un viaje a Italia los incluye de nuevo, pero en general se aprecia en su obra un cierto arcaísmo, como en este ejemplo, en el que las figuras alargadas y sinuosas recuerdan el “estilo internacional”.

Joachim Patinir
Una de las características más relevantes de Patinir es el especial protagonismo que concede al paisaje en sus composiciones, esta característica principal de Patinir la podemos observar en dos de sus obras maestras.
    
·        El descanso en la Huida a Egipto: de temática religiosa, aunque excusa de un estupendo marco paisajista.

·        La Laguna Estigia: de idénticas características, aunque combinando motivos cristianos y paganos.



El Bosco
Una de sus fuentes de inspiración favoritas fue la cultura popular, los refranes, los dichos, las costumbres y leyendas, las supersticiones del pueblo le dieron múltiples temas para tratar en sus cuadros.
 Minuciosidad en el detalle, el gusto por la variedad y riqueza del color además del cuidado por la perspectiva.
Originalidad en el tratamiento del tema, al dar a los objetos de uso cotidiano un sentido diferente y convertir las escenas en momentos delirantes.
          
·        El Jardín de las Delicias: esta es la pintura más famosa que pintó El Bosco; en la tabla de la izquierda se presenta la creación del hombre; en la central los placeres y pecados del mundo; y el castigo infernal a todos esos pecados en la de la derecha; se considera una sátira moralizante sobre el destino de la naturaleza humana.

·        El Carro del Heno: tríptico muy sugerente en cuya tabla central aparece un enorme carro repleto de heno y un sinfín de personajes; en la cima del carro se desarrolla una escena cortesana, unos amantes, la música, y un ángel y un diablo.

·        La Adoración de los Reyes Magos: la Virgen tiene al Niño sobre su regazo, mientras los Reyes Magos efectúan la ofrenda de los dones; se pueden apreciar detalles muy precisos.



Bibliografía:

martes, 31 de marzo de 2015

Centro de Arte Contemporáneo
Lenguajes Del Arte Cinético Italiano Años 50'-70'
1. Análisis bibliográfico:
En esta se mostraron obras de varios autores, algunos de ellos fueron:
·         Getulio Alviani: Udine, 5 de septiembre de 1939. Es un pintor y escultor italiano. Estudió en el colegio artístico de Venecia.
·         Alberto Biasi: Italia, 1937. Experimenta en cuadros e instalaciones con la refracción de la luz y el uso de materiales inusuales.
·         Marina Apollonio: Cursa estudios superiores en la Academia de Bellas Artes de Venecia dedicándose a la proyección de diseño gráfico e industrial y a soluciones arquitectónicas de interiores. Una de las artistas más importantes del Arte Cinético. Actualmente vive y trabaja en Padua.
·         Marcello Morandini: Mantua, 1940. Es un arquitecto, escultor y diseñador italiano. Estudió en la Academia de Brera en Milán. Diseñador gráfico para un estudio profesional.
·         Bruno Munari Milán, 1907 - 1998) fue un artista y diseñador italiano. Es considerado "uno de los máximos protagonistas del arte, del diseño industrial y gráfico del siglo XX".

2. Análisis formal: Composición, tendencia y técnica. 
       El conjunto de obras que se presentó en esta exposición tratan sobre el arte cinético, la cual es una corriente de arte en que las obras tienen movimiento o parecen tenerlo.
       Es una tendencia de las pinturas y las esculturas contemporáneas creadas para producir una impresión de movimiento. El arte cinético es una corriente artística que se basa en la estética del movimiento. Se representa  principalmente en las esculturas donde una de las partes más importantes son los componentes móviles de las obras, los cuales suelen ser mecánicos.
       El arte cinético también se puede basar en las ilusiones ópticas y en la imposibilidad de nuestro ojo de mirar simultáneamente dos superficies coloreadas, violentamente contrastadas.
       Algunos de los aspectos más importantes del arte cinética es la búsqueda de movimiento, en su mayoría el movimiento es real, no virtual y en el caso de serlo los recursos utilizados para crear movimiento son: el viento, el agua, motores, luz, electromagnetismo.  También toma cierta influencia de la psicología y física, esto con el fin de poder manipular la percepción de espectador.    
       En cuanto a los materiales utilizados para la  creación de la mayoría de obras son industriales tales como el metal, plástico P.V.C. entre otros. La mayoría de obras son tridimensionales.
3. Análisis simbólico de la obra: Significado, lo que expresa. 
       Las obras que tienen la influencia del arte cinético, tienen como objetivo el oponerse a las composiciones fijas y definitivas. Por lo cual produce obras abiertas y programadas, donde los elementos se organizan de acuerdo a una hipótesis  predeterminada. Esta programación será la que defina los movimientos o desplazamientos que podrán cumplirse en la obra.
       La finalidad de la realización de este tipo de arte es el producir experiencias multisensoriales, es decir a mi parecer perturbar al espectador, llamar su atención e impresionarlo mediante el movimiento de los cuerpo.
      
4. Análisis crítico: Comentario. 
       En mi opinión las obras creadas con los métodos del arte cinético es muy interesante, ya que nace de la oposición a lo estático  y rígido, por lo cual se empiezan a crear obras en las que el movimiento ya sea real o virtual, llegan a llamar la atención del  observador.
       Algo muy interesante es el uso de la física y psicología para que se lleguen a producir ilusiones ópticas, así como otros métodos para que se produzca movimiento en las obras.
       La innovación en cuanto al uso de materiales y técnicas para producir este tipo de obras juegan un papel importante, pues por estos dos aspectos se han llegado a lograr obras de distintos tipos.
5. Evidencia: 







Bibliografía.
·         Arte cinética. Obtenida de http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_cin%C3%A9tico#Caracter.C3.ADsticas

·         Boletín Cac-02-2015."Occhio Mobile": Lenguajes Del Arte Cinético Italiano Años 50'-70' En El CAC. Obtenida de http://www.centrodeartecontemporaneo.gob.ec/index.php/prensa/boletines-2015/181-occhio-mobile
Casa de la cultura Ecuatoriana Benjamín Carrión
Cosmética del Caos
María Isabel Castro.
1.      Análisis bibliográfico:

María Isabel Castro.

       Nace en Barranquilla, Colombia, realiza sus estudios superiores en Diseño de Interiores en su ciudad natal. Recién graduada ejerce ya la docencia universitaria, con el deseo de ampliar sus conocimientos, viaja a México, en donde estudia la cultura mexicana, aquí llegara a realizar su primer lienzo de gran formato. Finalmente se radica en Ecuador, donde su producción ha dado sus mayores frutos en el arte. Sus primeras exposiciones individuales se realizan en Quito. Para sus obras trabaja con la técnica del acrílico en el taller del maestro  Antonio Arias y ejerce la docencia en diseño integral, se enfoca en el eje de la comunicación visual.
       Desde 2015 hasta la fecha ha realizado numerosas exposiciones en distintos museos y galerías. Lo que más llama la atención de esta artista es la madures y fuerza de sus obras, lo cual la ha llevado a tener un puesto entre las principales artistas del Caribe colombiano.

2.      Análisis formal: 
       La técnica aplicada por María Isabel Castro para llevar a cabo sus obras es la llamada técnica del acrílico, la cual consiste en el uso o empleo de los mismos pigmentos usados en óleo o acuarela pero diluidos en un aglutinante acrílico conformado por una resina sintética, la sustancia resultante es soluble en agua y de secado rápido. Ofrece otras ventajas como añadir más pintura a una superficie ya pintada incluso con otra técnica, es muy estable y resistente a la oxidación. Esta también se puede aplicar sobre soportes absorbentes como: lienzo, madera, aglomerado, cartón o papel- sin ninguna base aislante entre el soporte y la pintura. Las herramientas necesarias para poder realizar pinturas con este material son los mismos tipos de pinceles y espátulas que para los óleos.
        Los cuadros se inclinan  por una tendencia abstracta, la cual se caracteriza principalmente por la creación de estructuras y aspectos cromáticos sin preocuparse en representar de forma figurativa, las formas naturales. Otra de las características del arte abstracta que vemos aplicadas a estas obras es la creación de  sus propios significados por medio de un lenguaje visual expresivo, capaz de provocar muchas interpretaciones.
3.      Análisis simbólico de la obra:
       En este conjunto de obras 29 obras de la exposición, la pintora María Isabel Castro se inspira en la realidad de aquellos detalles que le comunican expresiones formales y hacen surgir en ella los comportamientos con los cuales eso que no se llega a entender llega a tener una nueva lectura o significado a través de la adecuada comunicación o entendimiento  de formas y colores dentro de una visión.
        Con la idea de que el arte es el  conocimiento que enfrenta nuestra emocionalidad y racionalidad, la autora de estas obras trata de poner a prueba la dualidad indivisible artista-observador que las obras crean, esto al momento en el cual el espectador admira la obra y trata de encontrarle un significado y explicar el arte lo cual implica que el observador será quien formula el sentido y extiende el valor al artista desde su arte.
       Es decir que trata de crear un significado propio de cada obra para cada individuo, con el fin de lograr un mejor entendimiento la exposición hizo referencia a Duchamp y a la frase:
“Quien mira es quien hace el cuadro”
       La cual en si resume todo lo que la artista trata de expresar en sus obras.
4.      Análisis crítico:
       Lo que más llama la atención de este conjunto de obras es el uso de los colores, ya sea en distintas combinaciones o intensidades, las cuales al ser aplicadas con la técnica del acrílico llegan a tomar formas interesantes que llaman la atención a primera vista.
       Otro de los principales atributos de esta exposición, es la forma en la que la artista quiere lograr que en cada persona se lleguen a dar  distintas reacciones acorde a su forma de pensar o estado de ánimo, las cuales pueden ser alegría, desagrado, tristeza entre otras. Para ello lo abstracto de las pinturas viene a jugar un papel importante al momento en el que el espectador trata de comprender y dar un significado a las obras, pues pueden encontrarse con distintas formas y figuras que solo ellos pueden apreciar.
        
       Evidencia: 






Bibliografía.
·         Técnicas de pintura. Obtenida de http://concearte.forosactivos.net/t165-tecnicas-de-pintura-acrilico    
·         Características del arte abstracto. Obtenido de http://www.ocio.net/estilo-de-vida/arte/caracteristicas-del-arte-abstracto/
·         Expo - Cosmética del Caos. Obtenida de http://www.enquito.com.ec/evento/expo-cosmetica-del-caos